“Nunca nada es tan claro como se ve en el cine. La mayor parte del tiempo la gente no sabe lo que hace -y me incluyo-. No saben lo que quieren o lo que sienten. Solamente en las pelí­culas se sabe bien cuáles son los problemas y cómo resolverlos (…) El cine es una investigación sobre nuestras vidas. Sobre lo que somos. Sobre nuestras responsabilidades -si las hay-. Sobre lo que estamos buscando. ¿Por qué querrí­a yo hacer una pelí­cula sobre algo que ya conozco y entiendo?” - John Cassavetes

martes, 14 de junio de 2011

TOP 50

Estas son consideradas las mejores 50 películas independientes de todos los tiempos según la revista norteamericana Empire. 
Solo nombraré las primeras 10, la lista completa puede verse en la pagina oficial:

  1. Reservoir Dogs (Quentin Tarantino, 1992)
  2. Donnie Darko (Richard Kelly, 2001)
  3. Terminator (James Cameron, 1984)
  4. Clerks (Kevin Smith, 1994)
  5. Monty Python's Life of Brian (Terry Jones, 1979)
  6. Night of the living dead (George A. Romero, 1968)
  7. Sex, Lies and Videotape (Steven Soderbergh, 1989)
  8. The usual suspects (Bryan Singer, 1995)
  9. Sideways (Alexander Payne, 2004)
  10. Mean Streets (Martin Scorsese, 1973)

Sundance Film Festival

El Festival de Cine de Sundance es el festival de cine independiente internacional más importante del mundo, celebrado cada año en Utah, Estados Unidos.
Tiene su origen en el Festival de cine de Utah, que comienza en 1978 dirigido a la presentación de películas desde antiguas, hasta de nuevos realizadores de la época. Pero más adelante se comenzó a presentar films que utilizaban nuevos recursos y abordaban temáticas diferentes que no podían ser incluidas dentro del sistema hollywoodense. Con los años comenzó a incluirse documentales y cortometrajes, hasta que en 1985 ya podían verse películas internacionales.

Ese mismo año se une al Instituto de cine Sundance, fundado en 1981 por Robert Redford, que sería el futuro productor del festival como lo conocemos en la actualidad. Su objetivo era poder mostrar al público obras totalmente independientes de los grandes estudios cinematográficos realizadas por jóvenes cineastas. Ya en 1991, el festival pasa a conocerse como Festival de Cine de Sundance.

Cada año son elegidas, de un total de aproximadamente 9.000 películas, solo 200 para ser presentadas en el festival, y más de 50 mil espectadores asisten al mismo, y el numero va en aumento cada año. Según el Instituto el objetivo a la hora de seleccionar una película para ser presentada en el festival es que esta ‘’inspires, desafíen, deleiten y conmuevan’’ a los espectadores. The Sunset Film Festival es uno de los destinos más importantes para los realizadores que  buscan ser reconocidos y mostrarle al público sus obras independientes. Los géneros que se pueden encontrar son de todo tipo, más allá de largometrajes, cortos y documentales de todas partes del mundo. Muchos grandes talentos fueron descubiertos en el mismo, de esto son ejemplos Quentin Tarantino y los hermanos Coen.

Pero al festival también concurren ejecutivos de las grandes productoras y distribuidoras norteamericanas (como podría ser Warner, Sony Pictures, MGM, Disney, etc.). Los mismos ‘’apuestan’’ por alguna de las películas que serán mostradas durante el festival, comprarla y distribuirla. Pero los productores no siempre tienen la razón. Muchas veces se ha pagado miles de dólares por una película que luego no ha sido realmente premiada por el festival, mientras que las verdaderamente buenas se terminan olvidando. Así, todos los años el festival especula quien será el comprador de la película más barata, pero que luego obtendrá una gran rentabilidad. 

 

Videos: Cine Independiente Argentino

Sobre el BAFICI 2011

Sergio Wolf, director del BAFICI, nos cuenta sobre la última edicion del evento.

Fuente: YouTube

jueves, 9 de junio de 2011

Videos: Cine Independiente Argentino

Los realizadores del MARFICI nos cuentan sobre el cine independiente, nacional e internacional.

Fuente: Youtube.com

BAFICI

El Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI) nace en el año 1999 cuando la Secretaria de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires decide organizar la primera edición de este festival que alcanzo los 120 mil espectadores, utilizando decenas de salas en la ciudad. Continúa hasta la actualidad con una oferta cada vez mayor de películas y otras actividades. Aunque no es parte de los festivales oficiales según la FIAPF (Federación Internacional de Asociaciones de Productores Fílmicos) es reconocido en todo el mundo por su trascendencia.
Para los productores independientes el BAFICI es el camino más seguro para poder mostrar sus películas, ya que es el evento más grande y prestigioso de Latinoamérica.
Podemos asociar al BAFICI con el cine nuevo, es decir, donde podemos ir a ver al cine películas que normalmente no se podrían ver en una sala de cine durante otra época del año. Algo que llama mucho la atención es la sección llamada ‘’Clásicos Modernos’’ donde se presentan cortos y largometrajes que fueron rescatados de la colección del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, con la finalidad de ampliar el público hacia distintos tipos de cine. Entre lo que puede verse se encuentran ‘’Metrópolis’’ (Fritz Lang), ‘’La terraza’’ (Leopoldo Torre Nilsson), ‘’Facundo, el tigre de los llanos’’ (Miguel Paulino Tato), entre muchos otros.
Esta es la lista de films que ganaron el premio a Mejor Película desde la primera edición del festival:
1999: La vida despues de la muerte. Dirección: Kore-Eda Hirokazu. Japón, 1998.
2000: Ressources Humaines. Dirección: Laurent Cantet. Francia, 1999.
2001: Platform (Zhan Tai). Dirección: Jia Zhangke, China, 2000.
2002: Tornando a casa. Dirección: Vincenzo Marra. Italia, 2001.
2003: Waiting for Happiness. Dirección: Abderrahmane Sissako. Mauritania, 2002.
2004: Parapalos. Dirección: Ana Poliak. Argentina, 2004.
2005: El cielo gira. Dirección: Mercedes Álvarez. España, 2004.
2006: En el hoyo. Dirección: Juan Carlos Rulfo. México, 2006.
2007: In between days. Dirección: So Yong-Kim. Corea.
2008: Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo. Dirección: Yulene Olaizola. México
2009: Aquele querido mes de agosto. Dirección: Miguel Gomes. Portugal, 2008.
2010: Alamar. Dirección: Pedro González-Rubio. México, 2010.
2011: Yatasto. Dirección: Hermes Paralluelo, Argentina, 2010

Cine Independiente en Argentina: El Nuevo Cine Independiente Argentino

Podríamos decir que ‘’Rapado’’ (1991) una película del director Martin Rejtman marco el principio de lo que podríamos llamar cine independiente argentino. Cuando hablamos de independiente nos referimos a la forma de producción y la estética de las películas que utilizaron estos realizadores en sus films.  La película recién nombrada se basa en varias historias de la vida cotidiana escritas por el propio Rejtman, donde el ‘’no-argumento’’ es clave, igual que se muestra solitaria, hosca, sobria y simple hasta el extremo.  
Durante la década del noventa, comienzan a crecer las distintas escuelas de cine en el país. Aumenta el número de alumnos que con el tiempo se convertirían en realizadores de películas totalmente independientes en toda la Argentina. Cada uno de ellos se centra en temas diferentes, pero siguiendo una de las dos corrientes más importantes del momento: el costumbrismo social, realista, en blanco y negro, y un cine más personal, donde la búsqueda de la identidad es el centro. En 1995, los ganadores de un concurso del INCAA (Instituto Nacional de Cinematografía y Artes Audiovisuales) estrenan sus cortos de forma conjunta con el nombre de Historias breves. Además de una excelente critica, fue enorme el número de espectadores que estos cortos tuvieron. Entre los jóvenes realizadores se encuentran: Adrian Caetano, Bruno Stagnaro, Sandra Gugliotta, Daniel Burman, Lucrecia Martel y Ulises Rosell. En 1997 se estrenan  ‘’Pizza, birra, faso’’ (Caetano y Stagnaro) y ‘’Un crisantemo estalla en Cincoesquinas’’ (Burman), dos títulos fundamentales para este nuevo cine.
Pero a su vez existen otros nombres importantes en lo que refiere al cine independiente argentino en los ’90. ‘’Fuego gris’’ (1992) y ‘’Afrodita, el jardín de los perfumes’’ de Pablo César, donde utiliza sugestivas metáforas visuales, y música totalmente original. ‘’1000 boomerangs’’ (1994) de Mariano Galperin a su vez, con un guion original, un puesta en escena totalmente artesanal, etc. en 2001 llega ‘’+bien’’ de Eduardo Capilla, con una narrativa y puesta visual diferente a lo antes visto y música de Gustavo Cerati.
En 1999 se crea el BAFICI, (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente) que comienza a jugar un papel muy importante para los realizadores argentinos, ya que se empieza a darle más importancia a los cortometrajes y documentales que no tenían un espacio en el circuito comercial. Gracias a él, ‘’Pizza, birra, faso’’ fue reconocida tanto en el país como internacionalmente. Otros nombres reconocidos en este festival fueron ‘’Mundo grúa’’ (1999) de Pablo Trapero, ‘’Bonanza’’ (2001) de Ulises Rosell, ‘’Modelo 73’’ (2001) de Rodrigo Moscoso, ‘’La libertad’’ (2001) de Lisandro Alonso, entre muchas otras. En general, las temáticas se basaban en historias costumbristas, amigos, vacaciones de verano, historias que buscaban mostrar las cosas tal cual eran.
En la actualidad, se vuelve cada vez más difícil para los jóvenes realizadores argentinos encontrar apoyo financiero, por lo que buscan producir sus films por cuenta propia, con ayuda de personas particulares o productoras independientes, pero siempre con la visión de poder mostrar sus películas en todo el mundo y que el cine independiente argentino siga difundiéndose, tanto en festivales como a un público masivo. 




martes, 7 de junio de 2011

El Cine Independiente Hoy


Lo que conocemos como cine independiente en la actualidad comienza a tomar su forma durante la década de los ’80 cuando ‘’Extraños en el paraiso’’ (Jim Jarmusch, 1984) se vuelve un éxito de taquilla aun siendo una comedia de bajo presupuesto, y gana el premio como mejor película en el Festival de Cannes. Lo mismo ocurre con ‘’Nola Darling’’ de Spike Lee, ‘’Sangre facil’’ de los hermanos Cohen, ‘’Repo Man’’ de Alex Cox y ‘’Sexo, mentiras y cintas de video’’ de Steven Soderbergh.
Pero el cine independiente sigue manteniendo su esencia, tener el control artístico sobre la obra. Igualmente, cabe destacar algunos puntos:
-          Voluntad propia de apartarse de Hollywood, aunque se utlicen algunos métodos, recursos, para llegar al gran público, especialmente en la elección de actores reconocidos que sirvan de reclamo.
-          Un cine mas intimo, humano, psicológico, emocional, donde se pone el foco en una cantidad menor de personajes, donde muchas veces las situaciones son de extrema dureza.
-          Una gran inclinación por la total realidad, cotidianeidad, donde los problemas entre individuo y sociedad son analizados profundamente y de forma rigurosa.
-          Personajes que representan a perdedores, gente pobre, anónima, todo lo contrario al sueño del ideal americano.
Sin embargo, hoy cuando escuchamos ‘’cine independiente’’ pensamos en un genero, ya que actualmente este termino fue explotado por las distribuidoras para comercializar los films. Cada vez existen mas festivales de cine, como el Festival de Cine de Sundance o los Independent Spirit Awards.

Referentes del Cine Independiente: John Cassavetes

Director, guionista y actor, es considerado uno de los principales exponentes del cine independiente.
John Cassavetes nace el 9 de diciembre de 1929 en Nueva York, Estados Unidos. Tanto su padre como su madre, John Cassavetes y Catherine Demetri eran inmigrantes griegos. Vivió la mayor parte de su infancia en Long Island y estudio en New Jersey antes de entrar en una academia de arte, la American Academy of Dramatic Arts. Se gradúa en 1950, para pasar a actuar en pequeños papeles en películas y series de televisión, además de teatro.
Cerca de 1956, un ejercicio de improvisación dentro de un taller de teatro, que él estaba dando, en Nueva York, le da la idea para desarrollar su primer film, Shadows (1959). El presupuesto para la misma lo obtiene con ayuda de familiares y amigos, y del programa de radio ‘’Night People’’.
Pero ninguna distribuidora en los Estados Unidos estaba dispuesta a lanzar ‘’Shadows’’, por lo que Cassavetes prueba fortuna en Europa, donde gana un premio en el Festival de Venecia. Así, los distribuidores europeos llevan la película a EEUU como si fuera una importación.  Esta película consigue llamar la atención de los grandes estudios cinematográficos hollywoodenses, donde dirige dos nuevos films, ‘’Too late blues’’ y ‘’A child is waiting’’.
 Al mismo tiempo, Cassavetes continua con su carrera como actor con ‘’The Dirty Dozen’’ (1967), nominado al Oscar como Mejor Actor de Reparto; con ‘’Rosemary’s Baby’’ (1968), ‘’The Killers’’ y ‘’The Fury’’ (1978).
Su segunda película de forma independiente fue ‘’Faces’’ (1968) donde se muestra cómo se va terminando un matrimonio de la época. Nominada al Oscar por Mejor Guion Original, Mejor Actor de Reparto (John Marley) y Mejor Actriz de Reparto (Gena Rowlands, mujer de Cassavetes).
Durante los ’70 filma tres de sus mejores películas independientes, ‘’A Woman Under the Influence (1974), ‘’The killing of a chinese bookie’’ (1976) y ‘’Opening Night’’ (1977). Esta última tuvo una producción de aproximadamente 1,5 millones de dólares. Se dice que Cassavetes tardo años en escribir el guion, y la primera versión de la película duraba 5 horas. 
Su última película fue ‘’Big Trouble’’ (1986) ya que Cassavetes muere de cirrosis hepática 3 años después, en Los Angeles.
Las grandes productoras y, especialmente, Hollywood, nunca fueron la meta de Cassavetes, sino todo lo contrario. Pequeñas producciones, películas muy personales, y una fama ganada por su creatividad e independencia. Para muchos cineastas jóvenes, que buscan alejarse de la típica forma de Hollywood de hacer películas, él es su modelo a seguir. Se sabe que la única forma de que Cassavetes pisara un estudio hollywoodense era durante su trabajo como actor, para ganar dinero y pagar las cuentas (se dice que muchas veces estuvo a punto de perder su propia casa por producir alguna de sus películas).
En todos sus films pueden encontrarse varios temas dentro del mismo, pero uno de los más importantes es la temática de la mortalidad, la vida y la muerte. Continuamente puede verse que alguno de los personajes descubre que la vida es corta, que a todos nos llega la hora, que los seres humanos somos frágiles, entre otras. Cassavetes pensaba que este tema era una gran fuente del drama. Relacionado a esto, se conoce una frase del propio Cassavetes: “Creo que estoy influenciado por el hecho de que, cuando haces películas, todos los que trabajamos en el cine lo hacemos como si fuera la última vez, la última película, como si ya no hubiera otra. Creo que mis personajes están influenciados por esto, cuando los escribo, cuando los dirijo. Es la última vez, aunque quizás viviremos, pero no tenemos otra alternativa. Creo que sientes más la mortalidad cuando estás más vivo porque es cuando no quieres que te pase algo. Cuando estás deprimido no te importa mucho la muerte. Pero si estás pasando por un momento maravilloso, si estás sintiendo la vida y la disfrutas mucho, entonces te preocupas. Es como un hombre rico que teme ser robado. A un pobre no le importa tanto que lo roben…”
Referido con la forma de financiación de sus películas, podemos nombrar varios ejemplos de cómo logro recaudar el dinero necesario para las mismas. En ‘’Shadows’’ (1959) Cassavetes decide ir a un programa radiofónico en el cual le pide al público que le mandara solo un dólar para ayudarlo a rodar su próximo film. Al día siguiente, había recaudado aproximadamente siete mil dólares. Otro caso es ‘’Faces’’ (1968) en donde invirtió su salarios actorales de dos de sus películas. Pero sus innovaciones pueden llevarse a otros ámbitos, como por ejemplo, en el momento de rodar, permitía que su elenco improvisara el tono y la pronunciación, movía la cámara desaforando para que se vea que las paredes eran paneles de madera, etc.
¿Por qué es considerado el principal referente del cine independiente? Porque sus películas no con ‘’como deberían ser’’.





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lunes, 6 de junio de 2011

Referentes del Cine Independiente: Orson Welles

Director, productor, guionista y actor, busco siempre renovar los recursos estéticos y narrativos del lenguaje cinematográfico. La creatividad y calidad de sus obras, aunque no fueron siempre un éxito de taquilla, son reconocidas mundialmente y pasaron, indudablemente, a la historia del cine.
Orson Welles nació el 6 de mayo de 1915 en Wisconsin, Estados Unidos. Su padre, Richard Head Welles, empresario e inventor y su madre, Beatrice Ives, pianista. Cuando cumple los 16 años comienza su carrera como actor de teatro en el Gate Theatre (Dublín). En 1936 debuta como actor y director en Nueva York. Gran admirador de Shakespeare, realiza variadas puestas en escena de sus obras, producidas todas ellas por la Mercury Theatre, compañía que funda junto a John Houseman en 1937.
Ese mismo año consagra la famosa representación radiofónica de la obra literaria de H.G. Wells ‘’La Guerra de los Mundos’’ que lo lleva a la fama. El realismo con que la llevo a cabo conmociono y asusto a sus oyentes al punto de creer que el ataque de los extraterrestres estaba sucediendo realmente en su país. Gracias al éxito entre el público, firma un contrato con la productora RKO, realizando su primer film, ‘’Ciudadano Kane’’ en 1941, considerada por muchos una de las mejores películas de todos los tiempos. El mismo Welles fue el protagonista y coautor del guion. Con este film hizo una gran innovación en un moderno lenguaje narrativo cinematográfico. Recibe nueve nominaciones al premio Oscar, ganando uno al mejor guion original.
En 1942 realiza su segundo film, ‘’El cuarto mandamiento’’ el único en el cual no aparece como actor. Este sufre varios recortes por parte de la productora días antes del estreno, además de ser un gran fracaso económico. Welles pierde así su contrato con RKO, por lo que debió continuar su trabajo con un escaso presupuesto. Más adelante, en 1946 rueda su tercer film llamado ‘’The Stranger’’ con la ayuda económica de un productor independiente, Sam Spiegel. En 1948 filma ‘’La dama de Shangai’’, considerada una verdadera obra maestra.
Exilia a Europa donde realiza su propia versión de ‘’Otelo’’ (1952), gracias al cual fue premiado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Regresa así a los Estados Unidos para dirigir ‘’Sed de Mal’’ (1958) en el que puede verse le plano secuencia más largo de la historia. Sus siguientes películas fueron ‘’El Proceso’’ (1962), ‘’Campanadas a medianoche’’ (1965), ‘’Una historia inmortal’’ (1968) y Fraude, su última obra en 1973.
Durante los últimos años de su carrera desarrollo un numero de inconclusos proyectos, como ‘’Don Quijote’’, ‘’The deep’’ y ‘’The other side of the Wind’’.
Muere el 9 de octubre de 1985 en Los Ángeles. Su genialidad y creatividad de su manera de hacer cine pasó a la historia, por lo que es reconocido como uno de los mejores realizadores de todos los tiempos.



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sábado, 4 de junio de 2011

Dogma 95

Se le llamo Dogma 95 a una corriente cinematográfica desarrollada en 1995 por el director danés Lars Von Trier, junto con Soren Kragh Jacobsen, Thomas Vitenberg y Kristian Levring. El objetivo de la misma era poder ofrecer una nueva forma de hacer cine en comparación con la hecha hasta entonces. Lo que estos directores buscaban era manifestarse en contra de los artificios utilizados a la hora de realizar un film en las industrias cinematográficas, para poder rescatar los conceptos esenciales de una película, como por ejemplo, una interpretación pura de los actores, un guion con una buena historia, realismo en la iluminación, además de una nueva manera de realización, asi como cámaras en mano, historias con orden cronológico, entre otras.
Estos directores crearon un Decálogo para sentar las bases de sus ideas, que consistía en una serie de normas las cuales debían ser cumplidas de forma obligatoria por cualquiera que decidiera filmar una película Dogma. Según Von Trier, estos films eran una forma de protesta por la ‘’perdida de la esencia del cine de los comienzos’’.
En resumen, las 10 normas eran:
·  Los rodajes deben rodarse en espacios naturales
·  El sonido ha de ser el real de la filmación; no se puede doblar ni añadir música en postproducción
· La cámara no se apoyará en trípodes para rodar ni en ningún eje artificial
·  La película tiene que ser en color, no se admiten ni trucajes ni luces artificiales
·  Usar efectos especiales o filtros de cualquier tipo está prohibido.
· No pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia
· Las alteraciones de tiempo y/o espacio están prohibidas.
·  Películas de "género" (genderfilm) no están aceptadas.
·  El formato debe ser 35 mm normal (academy format)
·  El director no debe aparecer en los créditos

viernes, 3 de junio de 2011

Cine ''clase B''

Se dice que muchos nuevos cineastas decidieron realizar sus films cuando surgen las películas de cine ‘’clase B’’. En 1929 se produce la gran depresión en los Estados Unidos, que tuvo como consecuencia la disminución de espectadores a las salas de cine, por lo que muchos estudios comenzaron a presentar un doble programa. Es decir, la realización de películas con presupuestos muy bajos, filmadas en pocos días, con actores totalmente desconocidos y con una duración entre 80 y 90 minutos. Estas películas eran utilizadas para completar el programa, ya que con la crisis baja la cantidad de superproducciones realizadas.
Estas producciones significaban una inversión menor, por lo que muchos productores buscaron innovar en distintos aspectos que no eran permitidos en los films ‘’clase A’’.
Como se dijo anteriormente, los grandes estudios cinematográficos optaron por ofrecer dos películas por el precio de una. Un film con gran despliegue de producción, ‘’clase A’’, y otro de relleno ‘’clase B’’. Estas producciones eran generalmente de género, las más comunes serian westerns, gánsteres, terror y ciencia ficción. Durante el estreno , el precio de la entrada era más cara que en otros cines (entre un dólar y uno veinticinco). Luego del estreno, el precio de la entrada disminuía, para poder captar un público más amplio.
A finales del ’50, al caer el sistema de estudios, comenzó a usarse este término para cualquier film de bajo presupuesto, y más adelante, a cualquiera considerado de baja calidad. Igualmente, es importante destacar que muchas películas ‘’clase B’’ se convirtieron en clásicos, tales como ‘’la mujer pantera’’, ‘’yo anduve con un zombi’’ o ‘’el demonio de las armas’’, consideradas unas de las películas de su época. 




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